En 1996, le paysage musical était à un carrefour. Le grunge, porté par Nirvana et Soundgarden, touchait à sa fin, tandis que le new metal de Korn ou Deftones posait ses premières pierres. Pour Ronnie James Dio, l'époque était trouble : sa notoriété, forgée auprès de groupes mythiques tels que Rainbow et Black Sabbath, tanguait face à une vague désintéressée par le heavy metal traditionnel. C'est dans ce contexte qu'Angry Machines a vu le jour, un disque qui rejetait les codes établis pour offrir une expérience plus sombre et expérimentale.
Entre des morceaux comme "Institutional Man" et "Don't Tell the Kids", Dio s'éloigne des structures classiques du metal pour se rapprocher de rythmiques plus lourdes, presque industrielles, portées par l'excellent travail de Tracy G à la guitare. Ce virage, à l'encontre des attentes des puristes, a immédiatement polarisé l'opinion.
Les paroles d’Angry Machines ont elles aussi joué un rôle clé dans son impact. Elles dénoncent, explorent les oppressions sociales et dressent un portrait acéré d'un monde mécanisé où l'humain perd son essence. Bien loin des récits épiques ou fantastiques auxquels Dio nous avait habitués, cette plongée dans des problématiques plus terre-à-terre a résonné avec les sensibilités de nombreux projets underground de la fin des années 90. Des groupes issus de la scène darkwave, doom metal, ou encore industrial rock y ont trouvé un écho, inspirant une nouvelle génération d’artistes à explorer des thématiques sociopolitiques plus sombres.
C’est aussi l’une des raisons pour lesquelles l’album a trouvé un public bien au-delà de ses frontières initiales : il a été repris et cité par des artistes souvent éloignés du circuit metal classique. Marilyn Manson, dans une interview de la fin des années 90, mentionnait l’inspiration qu’il puisait dans les textures de certains morceaux d’Angry Machines. Même des figures modernes comme Trent Reznor (Nine Inch Nails) continuent indirectement d’hériter de cette esthétique.
D'un point de vue purement sonore, Angry Machines est une anomalie fascinante. La production, signée Ronnie James Dio en collaboration avec Tracy G, s’apparente davantage à un essai sonore brut qu’à un produit calibré pour les masses. C’est ici que se situe l’un de ses plus grands apports à l'underground : la revendication de ne jamais lisser les bords.
Les guitares abrasives, les transitions abruptes et le mixage volontairement rugueux ont ouvert des portes à des tendances émergentes dans le noise rock et même dans certaines branches du post-punk. Des labels indépendants comme Relapse Records et Hydra Head citaient souvent ce type de productions comme une inspiration dans leur quête à repousser les standards mainstream qui dominaient les années 90 et 2000.
Parmi les morceaux marquants, c'est probablement "Black" qui résume le mieux ce concept d'imperfection dans l'art. Long, lourd, lancinant, il illustre la volonté de Dio de décrire un monde en souffrance sans chercher à « plaire ». Ce morceau, selon certains critiques (notamment dans le magazine Kerrang!), serait même un exemple précurseur d’une tendance qui s’est affirmée dans des groupes comme Sunn O))) une décennie plus tard.
Malgré ses ventes modestes (comparées à des albums comme Holy Diver ou Heaven and Hell), Angry Machines n’a cessé de gagner en influence dans les niches underground. Les forums spécialisés et les critiques rétrospectives ont révélé un véritable culte autour de l'album, une lente reconnaissance de son caractère intemporel.
En fin de compte, la véritable leçon qu'enseigne Angry Machines à la scène underground est celle de l'intégrité artistique. Dio, malgré un contexte commercial peu favorable, a suivi sa vision sans compromis. Le résultat ne s’est peut-être pas traduit par un succès immédiat, mais l’empreinte laissée est indéniable. Cet album illustre parfaitement l’importance de rester fidèle à sa démarche artistique, même face aux pressions des attentes du public ou de l’industrie.
Que ce soit dans un studio de gravaison DIY, un squat artistique ou un club clandestin, l’héritage sonore de ce disque continue de se propager. Ceux qui veulent créer en dehors des sentiers battus y trouvent encore une inspiration vitale, un rappel viscéral qu'il est possible de réinventer les codes.
Plus qu’un album, Angry Machines est un manifeste sonore qui refuse la conformité. Sa capacité à connecter des scènes éloignées – du doom metal à l’industriel, en passant par l’art expérimental – témoigne de son importance au sein de la galaxie underground. À une époque où la musique est souvent constrainte par des impératifs commerciaux, il reste une balise pour ceux qui cherchent à repousser les frontières et à amplifier la voix des marginaux.
Alors, si vous ne l’avez jamais écouté, il n’est jamais trop tard pour plonger dans cette expérience unique. Car après tout, l’underground est fait pour cela : explorer l’inexploré.